ลัทธิคลาสสิก โรงเรียนคลาสสิกเวียนนา
ชั้นประถมศึกษาปีที่ 11
นักแต่งเพลงของโรงเรียนคลาสสิกเวียนนา
ครู
ซาลิโมวา มาดินา กานียาทุลลอฟนา
โรงยิม MBOU ซาโฟโนโว
(1756-1791)
- - เป็นตัวแทนที่ยอดเยี่ยมของโรงเรียนการแต่งเพลงคลาสสิกของเวียนนา
- นักไวโอลินอัจฉริยะ นักฮาร์ปซิคอร์ด นักออร์แกน วาทยากร
- เขามีหูที่ยอดเยี่ยมในด้านดนตรี ความทรงจำ และความสามารถในการแสดงด้นสด
บี.คราฟท์.
ภาพเหมือนของโมสาร์ท 1814
กำเนิดนักประพันธ์เพลงผู้ยิ่งใหญ่
ในซาลซ์บูร์ก
ในเมืองซาลซ์บูร์กของออสเตรีย ลูกคนที่เจ็ดเกิดในครอบครัวของลีโอโปลด์โมสาร์ท
คุณพ่อลีโอโปลด์ โมสาร์ท (14.11.1719 - 28.05.1787)
- – มีความสามารถ
นักดนตรีประสานเสียง
อาร์คบิชอปแห่งซาลซ์บูร์ก,
- - นักไวโอลินชาวออสเตรีย
- พ่อและครู V.A. โมสาร์ท,
- มีอิทธิพลสำคัญต่อรูปแบบการสร้างสรรค์ของเขา
- หนึ่งในครูสอนดนตรีชั้นนำของยุโรป
- นักแต่งเพลงและนักทฤษฎี
(1719–1787)
ตระกูล. Wolfgang และน้องสาวของเขาที่ฮาร์ปซิคอร์ด
แม่ - Maria Anna, née Pertl; พ่อ: ลีโอโปลด์ โมสาร์ท แม้ว่าเขาจะเคยทำงานอย่างโชกโชนในฐานะโวล์ฟแกนมาหลายปี แต่ครอบครัวโมสาร์ทก็มีวิถีชีวิตที่เรียบง่าย และมักไม่สามารถชำระหนี้ได้ Leopold Mozart ถูกจำกัดและจำกัดโดยตำแหน่งที่ต้องพึ่งพาของเขาในฐานะนักดนตรีประจำศาล
สดใสและยอดเยี่ยม เส้นทาง ในเพลง
ชื่อของเขาตั้งแต่เด็ก
กลายเป็นตำนาน
- เมื่ออายุ 4 ขวบ ฉันสามารถเรียนรู้ได้ภายในครึ่งชั่วโมง
minuet และเล่นมัน
- เมื่ออายุ 6 ขวบกับพ่อลีโอโปลด์ โมสาร์ท
ไปเที่ยวยุโรป
- เมื่ออายุ 11 ปี เขาแต่งโอเปร่าเรื่องแรก
- เมื่ออายุ 14 ปี เขาได้แสดงโอเปร่ารอบปฐมทัศน์ที่โรงละครมิลาน
- เมื่ออายุ 14 ปี เขาได้รับตำแหน่งนักวิชาการกิตติมศักดิ์ด้านดนตรีแห่งโบโลญญา
เกียรติยศและศักดิ์ศรี - หลักความเชื่อของโมสาร์ท
- ตำแหน่ง
นักดนตรีประจำศาล
จำเป็นต้องปฏิบัติตาม
เจตนาใด ๆ ของเจ้าของ
- แต่ตัวละครของโมสาร์ท
เป็นอิสระและเด็ดขาด
- นักแต่งเพลงหนุ่มให้ความสำคัญกับเกียรติและศักดิ์ศรีมากที่สุด
- หลังจากผ่านการทดลองชีวิตมาหลายครั้ง เขาไม่เปลี่ยนมุมมองและความเชื่อของเขา
เข้าสู่ประวัติศาสตร์ดนตรี วัฒนธรรมของโมสาร์ทเข้ามาเป็น
- นักประพันธ์เพลงไพเราะที่ยอดเยี่ยม
- ผู้สร้างประเภทคอนเสิร์ตคลาสสิก
โอเปร่า "การแต่งงานของฟิกาโร" (2329)
- สร้างจากบทละครของนักเขียนบทละครชาวฝรั่งเศส Beaumarchais เรื่อง “A Crazy Day or the Marriage of Figaro” ซึ่งถูกเซ็นเซอร์ห้าม
- เป็นโอเปร่าที่สนุกสนานตามสไตล์คอเมดี้โอเปร่าของอิตาลี .
โอเปร่า "Don Giovanni" (1787) คำบรรยายของ Mozart คือ "Merry Drama"
- แก่นของ Don Juanism ไม่ใช่เรื่องใหม่ในดนตรี
- Don Giovanni ของ Mozart เป็นชายผู้มีเสน่ห์ มีเกียรติ และกล้าหาญ และมีความกล้าหาญระดับอัศวิน
- ด้วยความเห็นอกเห็นใจ โมสาร์ทได้เปิดเผยประสบการณ์ทางอารมณ์ของผู้หญิงที่ถูกดอนฮวนดูถูกซึ่งเป็นเหยื่อของเรื่องรัก ๆ ใคร่ ๆ ของเขา
โอเปร่า - เทพนิยาย "The Magic Flute" (2334)
- - ผลงานโปรดของโมสาร์ท
- "เพลงหงส์" ของเขา
- บทส่งท้ายถึงชีวิตของนักประพันธ์เพลงผู้ยิ่งใหญ่
- มันถูกจัดแสดงในกรุงเวียนนา 2 เดือนก่อนที่เขาจะเสียชีวิต
- โอเปร่าประสบความสำเร็จอย่างน่าทึ่ง
ออกแบบฉากสำหรับโอเปร่า
"ขลุ่ยวิเศษ"
"Requiem" ของ Mozart (1791) - จุดสุดยอดของดนตรีศักดิ์สิทธิ์
โมซาร์ทเขียนบังสุกุลบนเตียงมรณะของเขา
“ คุณโมสาร์ทคือพระเจ้าและคุณเองก็ไม่รู้” A.S. พุชกิน
("โมสาร์ทและซาลิเอรี")
มรดกของโมสาร์ท
- งานฝ่ายวิญญาณ 68 งาน
- 23 งานสำหรับโรงละคร
- โซนาต้า 22 อันสำหรับฮาร์ปซิคอร์ด
- โซนาต้า 45 ตัวสำหรับไวโอลินและฮาร์ปซิคอร์ด
- 32 วงเครื่องสาย
- 49 ซิมโฟนี
- 55 คอนเสิร์ต ฯลฯ
- มีทั้งหมด 626 ผลงาน
ฟรานซ์ โจเซฟ ไฮเดิน (1732 – 1809)
- - นักแต่งเพลงชาวออสเตรียผู้ยิ่งใหญ่
- ตัวแทนของโรงเรียนคลาสสิกเวียนนา
- หนึ่งในผู้ก่อตั้งวงซิมโฟนีและวงเครื่องสาย
โลว์เออร์ออสเตรีย – บ้านเกิดของไฮเดิน
ไฮเดน เกี่ยวกับวัยเด็กของฉัน
- เมื่อฉันหัน 7 Kapellmeister von Reuther อายุหลายปี ขับรถผ่าน Hainburg ได้ยินเสียงที่แผ่วเบาแต่ไพเราะของฉันโดยไม่ได้ตั้งใจ
- เขาพาฉันไปด้วยและมอบหมายให้ฉันไปที่โบสถ์ (อาสนวิหารเซนต์สตีเฟนในกรุงเวียนนา) ที่ซึ่งเขาศึกษาต่อ
- ฉันเรียนร้องเพลง เล่นฮาร์ปซิคอร์ด และไวโอลิน
- ก่อน 18 เป็นเวลาหลายปีที่ฉันแสดงบทบาทโซปราโนและประสบความสำเร็จอย่างมาก ไม่เพียงแต่ในมหาวิหารเท่านั้น แต่ยังรวมถึงในศาลด้วย .
Haydn กำลังควบคุมวงเครื่องสาย
Haydn เป็นหนึ่งในผู้ก่อตั้งแนวดนตรีเช่นซิมโฟนีและวงเครื่องสาย
“การสร้างโลก”
ความยิ่งใหญ่ของ Haydn ในฐานะนักแต่งเพลงปรากฏชัดเจนที่สุดในผลงานชิ้นสุดท้ายของเขา - Great oratorio “การสร้างโลก " (1798)
"ฤดูกาล"
- oratorio "The Seasons" สามารถใช้เป็นมาตรฐานที่เป็นแบบอย่างของดนตรีคลาสสิกได้
ความคิดสร้างสรรค์ มรดก ไฮเดน
- 104 ซิมโฟนี
- 83 วงเครื่องสาย
- โซนาต้าคีย์บอร์ด 52 อัน
- 24 โอเปร่า
- 14 มิสซา
- oratorios หลายแห่ง
ไฮเดินในชุดเหรียญทอง "นักประพันธ์เพลงผู้ยิ่งใหญ่"
ปล่องบนดาวพุธตั้งชื่อตาม Haydn
(1770-1827)
ลุดวิก ฟาน เบโธเฟน
- ชาวเยอรมันผู้ยิ่งใหญ่ นักแต่งเพลง , ตัวนำ และ นักเปียโน .
Beethoven เป็นผู้เขียนผลงานมากมายที่ทำให้คนรุ่นเดียวกันของเขาประหลาดใจด้วยละครและภาษาดนตรีที่แปลกใหม่ ในหมู่พวกเขา: เปียโนโซนาตาหมายเลข 8 ( "น่าสงสาร" ), 14 ( "พระจันทร์" ) โซนาต้าหมายเลข 21 ( "ออโรร่า" ).
พิพิธภัณฑ์บ้านในกรุงบอนน์
เบโธเฟนเกิดที่เมืองบอนน์ในเดือนธันวาคม พ.ศ. 2313 เมื่ออายุได้ 12 ปี เขาทำงานเป็นผู้ช่วยนักออร์แกนในสนามอยู่แล้ว
- หลังจากปู่ของเขาเสียชีวิต สถานการณ์ทางการเงินของครอบครัวก็แย่ลง ลุดวิกต้องออกจากโรงเรียนเร็ว แต่เขาเรียนภาษาละติน เรียนภาษาอิตาลีและฝรั่งเศส และอ่านหนังสือมากมาย
- นักเขียนคนโปรดของเบโธเฟน ได้แก่ นักเขียนชาวกรีกโบราณอย่างโฮเมอร์และพลูตาร์ค นักเขียนบทละครชาวอังกฤษ เชกสเปียร์ และกวีชาวเยอรมัน เกอเธ่และชิลเลอร์
ในเวลานี้ Beethoven เริ่มแต่งเพลง แต่ก็ไม่รีบร้อนที่จะเผยแพร่ผลงานของเขา สิ่งที่เขาเขียนในเมืองบอนน์ส่วนใหญ่ได้รับการแก้ไขในเวลาต่อมาโดยเขา โซนาตาของเด็กสามคนและเพลงหลายเพลงเป็นที่รู้จักจากผลงานวัยเยาว์ของผู้แต่งรวมไปถึง "บ่าง".
เขาใช้ชีวิตวัยเยาว์ในกรุงเวียนนา
- ในช่วงปีแรกของชีวิตในเวียนนา เบโธเฟนได้รับชื่อเสียงในฐานะนักเปียโน อัจฉริยะ. การแสดงของเขาทำให้ผู้ชมประหลาดใจ
- ผลงานของ Beethoven เริ่มได้รับการตีพิมพ์อย่างกว้างขวาง
และสนุกกับความสำเร็จ
- เข้าแล้ว
บีโธเฟน ในวัย 30 ปี
ความคิดสร้างสรรค์เจริญรุ่งเรือง
จูเลียต กุยซิอาร์ดา นักแต่งเพลง
อุทิศของเขา
แสงจันทร์โซนาต้า
บีโธเฟนเป็นผู้แต่ง
ซิมโฟนีที่หก
ปีต่อมา
เนื่องจากอาการหูหนวก บีโธเฟนจึงไม่ค่อยออกจากบ้านและขาดการรับรู้ทางเสียง เขามืดมนและถอนตัวออกไป ในช่วงหลายปีที่ผ่านมาผู้แต่งได้สร้างผลงานที่โด่งดังที่สุดของเขาทีละชิ้น
ปีต่อมา
ในช่วงปีเดียวกันนี้ Beethoven ได้แสดงโอเปร่าเพียงเรื่องเดียวของเขา " ฟิเดลิโอ" โอเปร่านี้เป็นประเภทโอเปร่า "สยองขวัญและความรอด" ความสำเร็จของ “ฟิเดลิโอ” เข้ามาเท่านั้น 1814 ปีที่โอเปร่าแสดงครั้งแรกในกรุงเวียนนา จากนั้นในปราก ซึ่งดำเนินการโดยนักแต่งเพลงชาวเยอรมันผู้มีชื่อเสียง เวเบอร์และในที่สุดก็เข้ามา เบอร์ลิน .
- เป็นศิลปิน
- แต่ยังเป็นคน
- ผู้ชายในความหมายสูงสุดของคำ...
- เขาทำสิ่งที่ยิ่งใหญ่
- ไม่มีอะไรผิดปกติกับเขา
ผลงานที่สำคัญ
- ซิมโฟนี 9 เพลง, การทาบทาม 11 ครั้ง, วงเครื่องสาย 16 เพลง
- คอนแชร์โต 5 รายการสำหรับเปียโนและวงออเคสตรา
- คอนแชร์โต้สำหรับไวโอลินและวงออเคสตรา
- 6 ทรีโอสำหรับเครื่องสาย ลม และเพลงผสม
- โซนาตาเยาวชน 6 ตัวสำหรับเปียโน
- เปียโนโซนาต้า 32 ตัว (แต่งในเวียนนา)
- โซนาตา 10 เพลงสำหรับไวโอลินและเปียโน
- โซนาต้า 5 อันสำหรับเชลโลและเปียโน
- โอเปร่า ฟิเดลิโอ
- พิธีมิสซาเคร่งขรึม
- การเรียบเรียงเพลงพื้นบ้าน (สก๊อต ไอริช เวลส์)
- ประมาณ 40 เพลงพร้อมเนื้อร้องโดยนักเขียนหลายคน
- 32 รูปแบบ (C minor) Bagatelles, Rondos, Ecosaises, Minuets
- และชิ้นอื่นๆ สำหรับเปียโน (ประมาณ 60 ชิ้น)
คลาริเน็ตคอนแชร์โต้ใน A Major, KV 622: II. อาดาจิโอ
4. 4.โวล์ฟกัง อะมาเดอุส โมซาร์ต (1756-1791) - ดาวน์โหลด
เปียโนคอนแชร์โต้หมายเลข 21 ใน C Major, KV 467: II. อันดันเต้
5. 5.โวล์ฟกัง อะมาเดอุส โมซาร์ต (1756-1791) - ดาวน์โหลด
เปียโนคอนแชร์โต้หมายเลข 13 ใน C Major, KV 415: II. อันดันเต้
6. 6.โวล์ฟกัง อะมาเดอุส โมซาร์ต (1756-1791) - ดาวน์โหลด
เปียโนคอนแชร์โต้หมายเลข 4 ใน G major, KV 41: II. อันดันเต้
7. 7.โวล์ฟกัง อะมาเดอุส โมซาร์ต (1756-1791) - ดาวน์โหลด
ซิมโฟนีหมายเลข 40 ใน G minor, KV 550: I. Allegro molto
8. Ludwig van BEETHOVEN (1770-1827) จาก Sonata-Quasi una Fantasia No. 14 ใน C Sharp minor, op. 27 หมายเลข 2 “แสงจันทร์” (Adagio sostenuto) - ดาวน์โหลด
นักแต่งเพลง วาทยกร และนักเปียโนชาวเยอรมัน บุคคลสำคัญในดนตรีคลาสสิกตะวันตก หนึ่งในคีตกวีที่ได้รับการยอมรับและแสดงมากที่สุดในโลก: | | .
อาจเป็นเรื่องยากมากที่จะหาคนที่ไม่เคยได้ยินเสียงอันน่าหลงใหลของ "Moonlight Sonata" อันโด่งดังของ Ludwig Van Beethoven ในชีวิตของเขา นี่เป็นผลงานที่มีเอกลักษณ์อย่างแท้จริงซึ่งจะได้รับความนิยมหลังจากเราหลายปี และแม้แต่คนที่บอกว่าไม่รู้ว่านี่คืองานประเภทไหนเมื่อได้ยินเพียงท่อนแรกก็จะรู้ได้ทันทีว่าเพลงที่น่าทึ่งนี้คุ้นเคยกับพวกเขา
9. Ludwig van BEETHOVEN (1770-1827) Romance No. 2 สำหรับไวโอลินและวงออเคสตราใน FD major, op. 50 - ดาวน์โหลด
10. ลุดวิก ฟาน เบโธเฟน (1770-1827) Bagatelle ใน A minor, op. 59 เพื่อเอลิเซ่ - ดาวน์โหลด
11. โจเซฟ เฮย์ดัน (1732-1809) - ดาวน์โหลด
ซิมโฟนีหมายเลข 45 “อำลา” ใน F ชาร์ปไมเนอร์ - Allegro assai
ซิมโฟนีหมายเลข 45 “อำลา” ใน F ชาร์ปไมเนอร์ - อาดาจิโอ
โวล์ฟกัง อะมาเดอุส โมซาร์ท (1756 - 1791)- นักแต่งเพลงชาวออสเตรียผู้ยิ่งใหญ่: | | | .
ตามความเห็นของผู้ร่วมสมัย เขามีหูที่ยอดเยี่ยมในด้านดนตรี ความทรงจำ และความสามารถในการแสดงด้นสด โมสาร์ทได้รับการยอมรับอย่างกว้างขวางว่าเป็นหนึ่งในนักประพันธ์เพลงที่ยิ่งใหญ่ที่สุด เอกลักษณ์ของเขาอยู่ที่ความจริงที่ว่าเขาทำงานในรูปแบบดนตรีทุกรูปแบบในยุคของเขาและประสบความสำเร็จสูงสุดในทั้งหมด ร่วมกับ Haydn และ Beethoven เขาเป็นตัวแทนที่สำคัญที่สุดของ Vienna Classical School
ชีวิตอันแสนสั้นของ Mozart เต็มไปด้วยความแตกต่าง เด็กอัจฉริยะผู้แต่งฮาร์ปซิคอร์ดคอนแชร์โตครั้งแรกเมื่ออายุสี่ขวบ หลังจากเชี่ยวชาญด้านไวโอลินและออร์แกนแล้ว เขาได้รับชื่อเสียงไปทั่วทั้งยุโรปตั้งแต่ยังเป็นเด็ก โดยแสดงทัวร์ไปทั่วยุโรป ในช่วงวัยผู้ใหญ่ โมสาร์ทต้องทนทุกข์ทรมานอย่างหนักจากการขาดการยอมรับ เขาประสบกับความเกลียดชังและความอิจฉา ก้มอยู่ใต้แอกของความต้องการอันสิ้นหวัง และถึงกระนั้นก็ตาม เขาได้แต่งเพลงที่สดใสและยืนยันชีวิต เต็มไปด้วยความแข็งแกร่งในแง่ดี
นักแต่งเพลงโอเปร่าที่เก่งกาจซึ่งทิ้งผลงานชิ้นเอกของเขาไว้เช่น "The Marriage of Figaro", "Don Giovanni" และ "The Magic Flute" โมซาร์ทสร้างยุคพิเศษในประเภทซิมโฟนี กว่ายี่สิบปีเขาเขียนประมาณห้าสิบรอบซิมโฟนิก ซิมโฟนีชุดแรกซึ่งสร้างขึ้นเมื่ออายุได้ 6 ขวบเป็นการเลียนแบบสไตล์ของโยฮันน์ คริสเตียน บาค ในขณะที่ซิมโฟนีชุดหลังมีอิทธิพลต่อซิมโฟนีของ Haydn ในเวลาต่อมา และคาดการณ์ถึงการปรากฏตัวของซิมโฟนีของ Beethoven และ Schubert ประการแรกดนตรีในโบสถ์ของเขาคือผลงานชิ้นเอกที่ไม่มีใครเทียบได้ - Requiem เป็นหนึ่งในการสร้างสรรค์ที่ลึกซึ้งที่สุดในแง่ของความคิดและการแสดงออกของความรู้สึก
ลุดวิก ฟาน เบโธเฟน (ค.ศ. 1770 - 1827)- นักแต่งเพลง วาทยกร และนักเปียโนชาวเยอรมัน หนึ่งในสาม "เวียนนาคลาสสิก"
บีโธเฟนเป็นบุคคลสำคัญในดนตรีคลาสสิกตะวันตกในช่วงเวลาระหว่างลัทธิคลาสสิกกับลัทธิโรแมนติก ซึ่งเป็นหนึ่งในนักประพันธ์เพลงที่ได้รับการยอมรับและแสดงมากที่สุดในโลก เขาเขียนทุกประเภทที่มีอยู่ในสมัยของเขา รวมทั้งโอเปร่า บัลเล่ต์ ดนตรีสำหรับการแสดงละคร และงานร้องเพลงประสานเสียง มรดกที่สำคัญที่สุดของเขาถือเป็นผลงานเครื่องดนตรี: เปียโน, ไวโอลินและเชลโลโซนาตา, คอนแชร์โตสำหรับเปียโน, ไวโอลิน, ควอร์เตต, การทาบทาม, ซิมโฟนี งานของเบโธเฟนมีผลกระทบอย่างมากต่อซิมโฟนีในศตวรรษที่ 19 และ 20
ลุดวิก ฟาน เบโธเฟน เกิดที่เมืองบอนน์ พ่อของลุดวิกดำรงตำแหน่งเทเนอร์ในศาลในเมืองบอนน์ ชีวิตของเขาจึงเริ่มต้นในสภาพแวดล้อมทางดนตรี
ต่อมาทั้งโลกได้เรียนรู้เกี่ยวกับความสามารถทางดนตรีของ Beethoven แต่ไม่ค่อยมีใครรู้เกี่ยวกับวัยเด็กของเขา ในตอนแรกพวกเขาเริ่มพูดถึงเขาในฐานะเด็กอัจฉริยะ โดยเรียกเขาว่าโวล์ฟกัง อะมาเดอุส โมซาร์ท ตัวน้อย ในวัยเยาว์ พรสวรรค์ทางดนตรีอันพิเศษของเขาถูกค้นพบ ในปี พ.ศ. 2321 เบโธเฟนเดินทางไปโคโลญจน์และสามปีต่อมาเขาก็ไปทัวร์ที่ฮอลแลนด์ซึ่งเขาได้แสดงให้เห็นถึงความสามารถในการแสดงที่ยอดเยี่ยมของเขา
“ดนตรีเป็นการสำแดงภูมิปัญญาและปรัชญาสูงสุด” - ลุดวิก ฟาน เบโธเฟน
ในปี ค.ศ. 1787 บีโธเฟนไปเวียนนาเป็นครั้งแรกเพื่อพบกับโวล์ฟกัง อะมาเดอุส โมสาร์ท โมสาร์ทชื่นชมความสามารถของนักดนตรีรุ่นเยาว์เป็นอย่างมาก โดยเรียกร้องให้ชุมชนดนตรีให้ความสนใจกับชายหนุ่มคนนี้ “เขาจะทำให้โลกพูดถึงตัวเขาเอง”
ตั้งแต่ปี ค.ศ. 1795 เบโธเฟนมีปัญหาการได้ยิน โรคนี้ดำเนินไปในปี พ.ศ. 2362 เข้าสู่อาการหูหนวกอย่างสมบูรณ์ ผู้แต่งเริ่มถอนตัวออกจากตัวเองมากขึ้น ในช่วงปีสุดท้ายของชีวิตการสื่อสารกับเขาทำได้ผ่านสมุดบันทึกพิเศษเท่านั้น
29 มีนาคม พ.ศ. 2370 ชีวิตของลุดวิก ฟาน เบโธเฟน ถูกตัดสั้นลง มรดกทางดนตรีของนักแต่งเพลงที่ทิ้งไว้ให้กับคนรุ่นราวคราวเดียวกันและลูกหลานไม่มีค่า
โจเซฟ เฮย์ดัน (1732-1809)- นักแต่งเพลงชาวออสเตรียซึ่งเป็นตัวแทนของโรงเรียนคลาสสิกเวียนนาซึ่งเป็นหนึ่งในผู้ก่อตั้งแนวดนตรีเช่นซิมโฟนีและวงเครื่องสาย ผู้สร้างทำนองเพลงซึ่งต่อมาเป็นพื้นฐานของเพลงสรรเสริญพระบารมีของเยอรมนีและออสเตรีย-ฮังการี: | | | | .
Haydn เป็นลูกคนที่สองจากทั้งหมด 12 คนในครอบครัวที่ยากจน โดยที่พวกเขาเล่นดนตรีที่บ้านทุกวัน หลังจากที่ญาติห่าง ๆ สังเกตเห็นความสามารถทางดนตรีที่ยอดเยี่ยมของ Haydn วัย 5 ขวบ บทเรียนดนตรีไวโอลินและเปียโนของเด็กชายก็เริ่มเข้มข้นมากขึ้น
เนื่องจาก Haydn ก็มีเสียงร้องที่ไพเราะเช่นกัน ในปี 1740 เขาได้รับการยอมรับจากนักแต่งเพลงในราชสำนัก Johann Georg Reutter ให้เป็นนักร้องเสียงแหลมเดี่ยวในคณะนักร้องประสานเสียงของ Stephen's Cathedral ในเวียนนา Reutter ต้องการตัดตอนให้เขารักษาเสียงของเขาไว้ อย่างไรก็ตาม การผ่าตัดถูกป้องกันและเกิดการถอนเสียง นี่คือจุดสิ้นสุดของอาชีพการร้องเพลงของเขา แต่เขายังคงเรียนเปียโนและไวโอลินต่อไป
ในปี ค.ศ. 1766 Haydn เข้ารับตำแหน่งวาทยากรคนแรกของ Prince Paul Anton Esterhazy ปราสาท Esterhazy สไตล์บาโรกอันงดงามซึ่งตั้งอยู่บนชายฝั่งทะเลสาบที่สวยงามก็มีโรงละครโอเปร่าเช่นกัน ที่นี่ Haydn เขียนโอเปร่าของเขามากที่สุด ประมาณ 80 เรื่องจากซิมโฟนี 104 เรื่องของเขา ผลงานเปียโนมากกว่า 50 เรื่อง และยังแต่งวงเครื่องสายมากกว่า 70 วงและวงดนตรีอีกหลายเพลง ในปี ค.ศ. 1790 ไฮเดินซึ่งขณะเดียวกันก็มีชื่อเสียงไปทั่วยุโรป ได้ไปอังกฤษเพื่อนำเสนอผลงานของเขาที่นั่นด้วยตนเอง เขาได้รับปริญญาเอกกิตติมศักดิ์จากมหาวิทยาลัยอ็อกซ์ฟอร์ดและยังเล่นต่อหน้าราชวงศ์หลายครั้งอีกด้วย เมื่อปี พ.ศ. 2335 Haydn กลับไปที่เวียนนา เขาเรียนเปียโนกับลุดวิก ฟาน เบโธเฟนในวัยเยาว์ การมีส่วนร่วมของ Joseph Haydn ต่อวัฒนธรรมดนตรีโลกนั้นมีคุณค่าอย่างยิ่ง รากฐานที่เขาวางสำหรับงานดนตรีรูปแบบคลาสสิกทำหน้าที่เป็นจุดเริ่มต้นในผลงานของนักประพันธ์เพลงชื่อดังหลายคน
Vienna Classical School (เยอรมัน: Wiener Klassik) เป็นขบวนการทางศิลปะในวัฒนธรรมดนตรียุโรปในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 - ต้นศตวรรษที่ 19 ผู้แทน - J. Haydn, W. A. Mozart, Beethoven หลักการทางศิลปะมีการนำเสนอในดนตรีในช่วงทศวรรษที่ 1780 - 1810 เนื่องจากในผลงานยุคแรกของ Haydn และ Mozart พวกเขาเพิ่งเป็นรูปเป็นร่างและในผลงานต่อมาของ Beethoven มีความใกล้ชิดกับแนวโรแมนติกที่จับต้องได้
กิจกรรมของนักประพันธ์เพลงของโรงเรียนเวียนนาได้จัดทำขึ้นโดยประสบการณ์ทางศิลปะของรุ่นก่อนและรุ่นเดียวกัน รวมถึงโอเปร่าของอิตาลีและฝรั่งเศส และวัฒนธรรมเครื่องดนตรี ความสำเร็จของดนตรีเยอรมัน (G.F. Handel, J.S. Bach และลูกชายของเขา โรงเรียน Mannheim) ชีวิตทางดนตรีในเวียนนา ศูนย์ดนตรีที่ใหญ่ที่สุด และดนตรีพื้นบ้านของออสเตรียข้ามชาติ มีบทบาทอย่างมากในการก่อตั้งโรงเรียนเวียนนา คลาสสิกของเวียนนามีความเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับความเจริญรุ่งเรืองของวัฒนธรรมออสโตร-เยอรมันโดยทั่วไป กับการตรัสรู้ก่อนการปฏิวัติฝรั่งเศสครั้งใหญ่ ความคิดสร้างสรรค์ของงานคลาสสิกเวียนนามีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับมุมมองของ G. E. Lessing, I. G. Herder, J. V. Goethe, F. Schiller, I. Kant, Hegel และกับบทบัญญัติบางประการของสารานุกรมชาวฝรั่งเศส
ศิลปะของตัวแทนของโรงเรียนเวียนนามีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยความเป็นสากลของศิลปะ การคิด ตรรกะ และความชัดเจนของรูปแบบทางศิลปะ ผลงานของพวกเขาผสมผสานความรู้สึกและความฉลาด โศกนาฏกรรมและการ์ตูน การคำนวณที่แม่นยำและความเป็นธรรมชาติ การแสดงออกที่ง่ายดาย ผลงานของคลาสสิกเวียนนาแสดงความเข้าใจแบบไดนามิกเกี่ยวกับกระบวนการชีวิตซึ่งพบว่ามีรูปแบบที่สมบูรณ์แบบที่สุดในรูปแบบโซนาต้าและกำหนดซิมโฟนีของผลงานหลายชิ้นของพวกเขา ซิมโฟนีนิยมในความหมายกว้างๆ มีความเกี่ยวข้องกับการเฟื่องฟูของแนวดนตรีบรรเลงชั้นนำแห่งยุค - ซิมโฟนี โซนาตา คอนแชร์โต และวงดนตรีแชมเบอร์ ซึ่งเป็นรูปแบบสุดท้ายของวงจรโซนาต้า-ซิมโฟนิก 4 ส่วน (ดูรูปแบบวงจร) ดนตรีของนักประพันธ์เพลงของ Vienna Classical School เป็นเวทีใหม่ในการพัฒนาความคิดทางดนตรี ภาษาดนตรีของพวกเขาโดดเด่นด้วยความเป็นระเบียบและความเป็นศูนย์กลางรวมกับความหลากหลายและความร่ำรวยภายใน ในงานของพวกเขามีการสร้างโครงสร้างดนตรีประเภทคลาสสิก - ยุคสมัย ฯลฯ ดนตรีเป็นรายบุคคล
ความเจริญรุ่งเรืองของโรงเรียนเวียนนาเกิดขึ้นพร้อมกับกระบวนการทั่วไปของการก่อตั้งวงซิมโฟนีออร์เคสตรา - องค์ประกอบที่มั่นคงคำจำกัดความการทำงานของกลุ่มออเคสตรา วงดนตรีประเภทคลาสสิกหลัก ๆ เกิดขึ้น - เปียโนทรีโอ, วงเครื่องสาย ฯลฯ ; ในบรรดาดนตรีบรรเลงเดี่ยว เพลงเปียโนมีความโดดเด่นเป็นพิเศษ ผลงานโอเปร่าของโมสาร์ทเปิดโอกาสอย่างกว้างขวางในการพัฒนาโอเปร่าประเภทต่างๆ - การแสดงตลกเชิงโคลงสั้น ๆ และการกล่าวหาทางสังคม ละครเพลง โอเปร่าเชิงปรัชญา-เทพนิยาย ฯลฯ (The Marriage of Figaro, Don Giovanni, The Magic Flute)
อาจารย์ของโรงเรียนเวียนนาแต่ละคนมีบุคลิกที่เป็นเอกลักษณ์ หาก Haydn และ Beethoven ใกล้ชิดกับขอบเขตของดนตรีบรรเลงมากขึ้น โมสาร์ทก็แสดงตัวตนทั้งในแนวโอเปร่าและแนวบรรเลงพอๆ กัน Haydn สนใจภาพแนวพื้นบ้าน อารมณ์ขัน เรื่องตลกมากขึ้น Beethoven - สู่ความกล้าหาญ Mozart เป็นศิลปินสากล - สู่ประสบการณ์โคลงสั้น ๆ ที่หลากหลาย ผลงานของนักประพันธ์เพลงของโรงเรียนเวียนนาอยู่ในจุดสูงสุดของวัฒนธรรมศิลปะของโลกและมีอิทธิพลต่อการพัฒนาดนตรีต่อไป
ซิมโฟนี
ดนตรีบรรเลงรูปแบบที่ซับซ้อนที่สุดคือซิมโฟนี (ภาษากรีกแปลว่า "ความสอดคล้อง") ได้รับการออกแบบให้แสดงโดยวงซิมโฟนีออร์เคสตรา ความเป็นไปได้ของประเภทนี้ยอดเยี่ยมมาก: ช่วยให้คุณสามารถแสดงความคิดเชิงปรัชญาและศีลธรรมผ่านวิธีการทางดนตรี พูดคุยเกี่ยวกับความรู้สึกและประสบการณ์ ประเภทนี้ก่อตั้งขึ้นในกลางศตวรรษที่ 18 ในงานของตัวแทนของโรงเรียนคลาสสิกเวียนนา ผู้แต่งได้พัฒนาวงจรโซนาต้า-ซิมโฟนิกของการเคลื่อนไหวทั้งสี่ซึ่งแตกต่างกันไปตามลักษณะของดนตรี จังหวะ และวิธีการพัฒนาธีม การเคลื่อนไหวครั้งแรกซึ่งสร้างขึ้นในรูปแบบโซนาต้าและมักแสดงด้วยจังหวะเร็ว เต็มไปด้วยเนื้อหาที่เร้าใจ บางครั้งก็นำหน้าด้วยการแนะนำตัวแบบช้าๆ การเคลื่อนไหวครั้งที่สองนั้นช้าและครุ่นคิด นี่คือศูนย์กลางโคลงสั้น ๆ ของการเรียบเรียง ประการที่สามตรงกันข้ามกับประการที่สอง: ดนตรีสดที่กระตือรือร้นมีลักษณะคล้ายการเต้นรำหรือมีอารมณ์ขัน จนกระทั่งต้นศตวรรษที่ 19 นักแต่งเพลงใช้รูปแบบของ minuet (เมนูฝรั่งเศสจากเมนู - "เล็กเล็ก") ซึ่งเป็นการเต้นรำแบบซาลอนทั่วไปของศตวรรษที่ 18 ต่อมา minuet ถูกแทนที่ด้วย scherzo (จากภาษาอิตาลี scherzo - "ตลก") - สิ่งที่เรียกว่างานร้องหรือเครื่องดนตรีเล็ก ๆ รวดเร็วในจังหวะและมีเนื้อหาตลกขบขัน การเคลื่อนไหวประการที่สี่ซึ่งมักจะรวดเร็วคือตอนจบของซิมโฟนี นี่คือการสรุปการพัฒนาธีมและรูปภาพของงาน
นักประพันธ์เพลงของโรงเรียนเวียนนาให้ความยืดหยุ่นเป็นพิเศษแก่ซิมโฟนีและความสามารถในการรวบรวมแง่มุมต่าง ๆ ของการดำรงอยู่ของมนุษย์ในรูปแบบทั่วไป พวกเขาสร้างซิมโฟนีประเภทต่างๆ - แนวพื้นบ้าน, โคลงสั้น ๆ - ละคร, ฮีโร่ - ดราม่าซึ่งต่อมาได้รับการพัฒนาและเสริมคุณค่าโดยนักประพันธ์เพลงโรแมนติก
โซนาต้า
ดนตรีบรรเลงประเภทหลักประเภทหนึ่งคือโซนาตา (โซนาตาของอิตาลี จากโซแนร์ – “สู่เสียง”) นี่เป็นงานที่มีหลายส่วน (โดยปกติจะเป็นสามหรือสี่ส่วน) ในบรรดานักประพันธ์เพลงในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 - ต้นศตวรรษที่ 20 มีผลงานชิ้นเดียวด้วย ในผลงานของปรมาจารย์ของโรงเรียนคลาสสิกเวียนนา โซนาต้าก็เหมือนกับซิมโฟนีถึงจุดสูงสุด โซนาตาต่างจากซิมโฟนีตรงที่มีไว้สำหรับเครื่องดนตรีชิ้นเดียว (โดยปกติคือเปียโน) หรือสองชิ้น (หนึ่งในนั้นคือเปียโน) ส่วนแรกของผลงานประเภทนี้เขียนในรูปแบบโซนาต้า ธีมดนตรีหลักของงานมีระบุไว้ที่นี่ ส่วนที่สอง ซึ่งมักจะสงบและเชื่องช้า ตรงกันข้ามกับส่วนแรกอย่างเห็นได้ชัด อย่างที่สามคือตอนจบที่ดำเนินการอย่างรวดเร็ว เขาสรุปผลและกำหนดลักษณะทั่วไปของงานในที่สุด
งานของโมสาร์ท
โวล์ฟกัง อะมาเดอุส โมสาร์ท (1756 - 1791)
นักแต่งเพลงชาวออสเตรีย เขามีหูที่ยอดเยี่ยมในด้านดนตรีและความทรงจำ
เขาแสดงเป็นนักฮาร์ปซิคอร์ดอัจฉริยะ นักไวโอลิน นักออร์แกน วาทยกร เก่งมาก
กลอนสด เขาเริ่มเรียนดนตรีภายใต้การแนะนำของบิดาของเขา แอล. โมสาร์ท
ผลงานชิ้นแรกปรากฏในปี พ.ศ. 2304 ตั้งแต่อายุ 5 ขวบด้วยชัยชนะ
ไปเที่ยวในเยอรมนี, ออสเตรีย, ฝรั่งเศส, บริเตนใหญ่, สวิตเซอร์แลนด์,
อิตาลี. ในปี พ.ศ. 2308 ซิมโฟนีครั้งแรกของเขาได้แสดงที่ลอนดอน ในปี ค.ศ. 1770 โมสาร์ทบ้าง
ใช้เวลาเรียนบทเรียนจาก J.B. Martini และได้รับเลือกให้เป็นสมาชิกของ Philharmonic ซึ่งเป็นสถาบันการศึกษาใน
โบโลญญา ในปี พ.ศ. 2312-2424 (โดยมีการหยุดชะงัก) เขาอยู่ในบริการศาลของอาร์คบิชอป
ในซาลซ์บูร์กในฐานะนักดนตรีและตั้งแต่ปี พ.ศ. 2322 ในฐานะนักออแกน ในปี พ.ศ. 2324 เขาย้ายไปเวียนนา
ซึ่งเขาได้สร้างโอเปร่าเรื่อง The Abduction from the Seraglio "การแต่งงานของฟิกาโร"; ดำเนินการใน
คอนเสิร์ต (“สถาบันการศึกษา”) ในปี ค.ศ. 1787 ที่กรุงปราก โมสาร์ทแสดงโอเปร่า Don Giovanni จบ
ขณะเดียวกันก็ได้รับการแต่งตั้งให้ดำรงตำแหน่ง "จักรพรรดิ์และราชวงศ์"
นักดนตรีประจำห้อง" ณ ราชสำนักของพระเจ้าโจเซฟที่ 2 ในปี พ.ศ. 2331 เขาได้สร้าง 3 ที่มีชื่อเสียงที่สุด
ซิมโฟนี: Es-dur, g-moll, C-dur ในปี พ.ศ. 2332 และ พ.ศ. 2333 เขาได้แสดงคอนเสิร์ตใน
เยอรมนี. ในปี พ.ศ. 2334 โมสาร์ทได้เขียนโอเปร่าเรื่อง The Magic Flute; ทำงานต่อไป
บังสุกุล (จบโดย F.K. Zyusmayr) โมสาร์ทเป็นหนึ่งในคนแรกๆ
นักแต่งเพลงที่เลือกชีวิตที่ไม่มั่นคงของศิลปินอิสระ
Mozart พร้อมด้วย I. Haydn และ L. Beethoven เป็นตัวแทนของชาวเวียนนา
โรงเรียนคลาสสิก หนึ่งในผู้ก่อตั้งดนตรีสไตล์คลาสสิก
เกี่ยวข้องกับการพัฒนาซิมโฟนิซึมในฐานะความคิดทางดนตรีระดับสูงสุด
ระบบที่สมบูรณ์ของแนวดนตรีคลาสสิก (ซิมโฟนี, โซนาต้า,
สี่) บรรทัดฐานคลาสสิกของภาษาดนตรีการใช้งาน
องค์กรต่างๆ ในงานของโมสาร์ท แนวคิดนี้มีความสำคัญในระดับสากล
ความสามัคคีแบบไดนามิกเป็นหลักในการมองเห็นโลกซึ่งเป็นวิธีทางศิลปะ
การเปลี่ยนแปลงของความเป็นจริง ในเวลาเดียวกันพวกเขาก็พบว่ามีการพัฒนาคุณสมบัติของสิ่งใหม่
ความจริงทางจิตวิทยาและความเป็นธรรมชาติในขณะนั้น การสะท้อน
ความสมบูรณ์ที่กลมกลืนของความเป็นอยู่ ความกระจ่างใส ความส่องสว่าง และความงามถูกผสมผสานเข้าด้วยกัน
ในบทเพลงของโมสาร์ทพร้อมดราม่าอันลึกซึ้ง สิ่งประเสริฐและธรรมดาที่น่าเศร้า
และตลกขบขันสง่างามและสง่างามนิรันดร์และชั่วคราว
เป็นสากลและมีเอกลักษณ์เฉพาะตัวเป็นลักษณะประจำชาติ
ปรากฏในผลงานของโมสาร์ทด้วยความสมดุลและความสามัคคีแบบไดนามิก อยู่ตรงกลาง
โลกศิลปะของโมสาร์ท - บุคลิกภาพของมนุษย์ที่เขาเปิดเผย
ในฐานะผู้แต่งบทเพลงและในขณะเดียวกันก็เป็นนักเขียนบทละครที่มุ่งมั่นในเชิงศิลปะ
การสร้างสาระสำคัญที่เป็นวัตถุประสงค์ของตัวละครมนุษย์ขึ้นมาใหม่ การแสดงละครของโมสาร์ท
ขึ้นอยู่กับการเปิดเผยความเก่งกาจของภาพดนตรีที่ตัดกัน
กระบวนการปฏิสัมพันธ์ของพวกเขา
ดนตรีของโมสาร์ทผสมผสานประสบการณ์ทางศิลปะจากยุคต่างๆ เข้าด้วยกัน
โรงเรียนแห่งชาติ ประเพณีศิลปะพื้นบ้าน มีผลกระทบอย่างมาก
คีตกวีชาวอิตาลีแห่งศตวรรษที่ 18 ตัวแทนของโรงเรียนมันไฮม์ และ
รวมถึงผู้ร่วมสมัยอาวุโส I. Haydn, M. Haydn, C. W. Gluck, I. K. และ C. F. E.
บาฮี. โมสาร์ทได้รับการชี้นำโดยระบบแบบจำเพาะ
ภาพดนตรี แนวเพลง วิธีการแสดงออก เปิดเผยไปพร้อมๆ กัน
การเลือกรายบุคคลและการคิดใหม่
สไตล์ของโมสาร์ทโดดเด่นด้วยการแสดงน้ำเสียงแบบพลาสติก
ความยืดหยุ่น, ความคล่องแคล่ว, ความสมบูรณ์, ความสร้างสรรค์ของทำนอง,
การแทรกซึมของหลักการเสียงร้องและเครื่องดนตรี โมสาร์ทมีส่วนร่วมอย่างมาก
มีส่วนช่วยในการพัฒนารูปแบบโซนาต้าและวงจรโซนาต้า-ซิมโฟนิก โมสาร์ท
โดดเด่นด้วยความรู้สึกที่เพิ่มขึ้นของความหมายของโทนเสียง - ฮาร์โมนิก
ความเป็นไปได้ในการแสดงออกของความสามัคคี (การใช้ไมเนอร์, รงค์,
การปฏิวัติที่ถูกขัดจังหวะ ฯลฯ ) เนื้อสัมผัสของผลงานของ Mozart นั้นแตกต่างออกไป
ความหลากหลายของการผสมผสานระหว่างธรรมชาติแบบโฮโมโฟนิก - ฮาร์โมนิกและโพลีโฟนิก
รูปแบบการสังเคราะห์ของพวกเขา ในด้านเครื่องมือวัด สมดุลแบบคลาสสิก
การแต่งเพลงเสริมด้วยการค้นหาชุดค่าผสมของเสียงต่างๆ
การตีความ Timbres ส่วนบุคคล
โมสาร์ทสร้างนักบุญ ผลงานประเภทต่างๆ 600 ชิ้น พื้นที่ที่สำคัญที่สุดของมัน
ความคิดสร้างสรรค์ - ละครเพลง งานของโมสาร์ทถือเป็นยุคแห่งการพัฒนา
โอเปร่า โมสาร์ทเชี่ยวชาญแนวโอเปร่าร่วมสมัยเกือบทั้งหมด สำหรับเขา
โอเปร่าสำหรับผู้ใหญ่มีลักษณะเป็นเอกภาพของละครและดนตรี
รูปแบบซิมโฟนี เอกลักษณ์ของละคร พิจารณาจากประสบการณ์
Gluck, Mozart ได้สร้างละครแนวฮีโร่ของเขาเองใน Idomeneo และ The Wedding
ฟิกาโร". บนพื้นฐานของความคลั่งไคล้โอเปร่าเขามาถึงละครเพลงแนวสมจริง
ตัวอักษร โมสาร์ทเปลี่ยน Singspiel ให้เป็นเทพนิยายเชิงปรัชญา
อัดแน่นไปด้วยแนวคิดด้านการศึกษา (“The Magic Flute”) ความเก่งกาจ
ในทางตรงกันข้าม การแสดงละครมีความโดดเด่นด้วยการสังเคราะห์รูปแบบประเภทโอเปร่าที่ผิดปกติ
โอเปร่า "ดอนจิโอวานนี่"
แนวเพลงชั้นนำของดนตรีบรรเลงของโมสาร์ท ได้แก่ ซิมโฟนีและวงดนตรีแชมเบอร์
คอนเสิร์ต การแสดงซิมโฟนีของโมสาร์ทในยุคโดเวเนียนใกล้เคียงกับทุกวันและความบันเทิง
เพลงในสมัยนั้น เมื่อโตขึ้น ซิมโฟนีได้รับความสำคัญจากโมสาร์ท
ประเภทแนวความคิดพัฒนาเป็นผลงานที่มีรายบุคคล
ละคร (ซิมโฟนี D-dur, Es-dur, g-moll. C-dur) ซิมโฟนีของโมสาร์ท - สำคัญ
บนเวทีประวัติศาสตร์ซิมโฟนีโลก ในบรรดาเครื่องดนตรีในห้อง
วงดนตรีมีความโดดเด่นด้วยความสำคัญ: วงเครื่องสายและกลุ่ม quintets ไวโอลินและ
เปียโนโซนาต้า โมสาร์ทพัฒนาขึ้นโดยมุ่งเน้นไปที่ความสำเร็จของ I. Haydn
ประเภทของวงดนตรีแชมเบอร์ โดดเด่นด้วยความซับซ้อนของโคลงสั้น ๆ
อารมณ์เชิงปรัชญาพัฒนาธรรมชาติแบบโฮโมโฟนิก - โพลีโฟนิกความซับซ้อน
ความสามัคคีของภาษา
เพลงคีย์บอร์ดของ Mozart สะท้อนถึงคุณลักษณะของสไตล์การแสดงใหม่
เกี่ยวข้องกับการเปลี่ยนจากฮาร์ปซิคอร์ดเป็นเปียโน ทำงานให้กับ clavier
คอนแชร์โตสำหรับเปียโนและวงออเคสตราส่วนใหญ่ให้แนวคิด
ศิลปะการแสดงของโมสาร์ทเองด้วยคุณลักษณะอันยอดเยี่ยมของเขา
ความมีคุณธรรมและในเวลาเดียวกันจิตวิญญาณ บทกวี ความสง่างาม
โมสาร์ทเป็นเจ้าของผลงานแนวอื่นๆ จำนวนมาก รวมถึงเพลง
arias ดนตรีประจำวันสำหรับออเคสตราและวงดนตรี จากตัวอย่างหลังๆมีมากที่สุด
"Little Night Serenade" อันโด่งดัง (พ.ศ. 2330) เพลงประสานเสียงของโมสาร์ทประกอบด้วย
มวลชน, บทสวด, สายัณห์, เครื่องบูชา, โมเท็ต, แคนทาทัส oratorios ฯลฯ: ในหมู่
ผลงานที่โดดเด่น: motet "Ave verum Corpus", บังสุกุล
บทความ:
โอเปร่า - เพลงจิตวิญญาณ (ละครเวที) หน้าที่ของพระบัญญัติข้อแรก (Die
Schuldigkeit des ersten Gebotes ส่วนที่ 1 ของงานรวมกลุ่ม ค.ศ. 1767
ซาลซ์บูร์ก) โอเปร่าของโรงเรียน (ตลกละติน) Apollo และ Hyacinth หรือ
การเปลี่ยนแปลงของผักตบชวา (Apollo et Hyacintus, seu Hyacinthi Metamorphosis,
บทโดย P. Widl อิงจาก Metamorphoses ของ Ovid, 1767, University of Salzburg);
คลาสสิกเวียนนาเข้าสู่ประวัติศาสตร์ดนตรีโลกในฐานะนักปฏิรูปที่สำคัญ งานของพวกเขาไม่เพียงมีเอกลักษณ์ในตัวเองเท่านั้น แต่ยังมีคุณค่าด้วยเพราะมันเป็นตัวกำหนดการพัฒนาละครเพลง ประเภท สไตล์ และการเคลื่อนไหวเพิ่มเติม การเรียบเรียงของพวกเขาได้วางรากฐานสำหรับดนตรีคลาสสิกในปัจจุบัน
ลักษณะทั่วไปของยุคนั้น
ผู้เขียนเหล่านี้รวมกันเป็นหนึ่งด้วยความจริงที่ว่าพวกเขาสร้างขึ้นในช่วงเปลี่ยนผ่านของยุควัฒนธรรมและประวัติศาสตร์ที่สำคัญสองยุค: ลัทธิคลาสสิกและแนวโรแมนติก คลาสสิกของเวียนนามีชีวิตอยู่ในช่วงเวลาแห่งการเปลี่ยนแปลง เมื่อมีการค้นหารูปแบบใหม่อย่างแข็งขัน ไม่เพียงแต่ในดนตรีเท่านั้น แต่ยังรวมไปถึงนิยาย ภาพวาด และสถาปัตยกรรมด้วย ทั้งหมดนี้กำหนดทิศทางของกิจกรรมและหัวข้องานเขียนของพวกเขาเป็นส่วนใหญ่ ช่วงที่ 18 - ครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 เผชิญกับความวุ่นวายทางการเมืองอย่างรุนแรง สงครามที่ทำให้แผนที่ของยุโรปพลิกคว่ำอย่างแท้จริง และส่งผลกระทบอย่างมากต่อจิตใจของกลุ่มปัญญาชนสมัยใหม่และแวดวงการศึกษาของสังคม คลาสสิกของเวียนนาก็ไม่มีข้อยกเว้น ตัวอย่างเช่นเป็นข้อเท็จจริงที่รู้จักกันดีว่าสงครามนโปเลียนมีอิทธิพลอย่างมากต่องานของเบโธเฟนซึ่งในซิมโฟนีที่ 9 อันโด่งดังของเขา ("นักร้องประสานเสียง") ได้ถ่ายทอดแนวคิดเรื่องความสามัคคีและสันติภาพสากล นี่เป็นการตอบสนองต่อความหายนะทั้งหมดที่สั่นสะเทือนทวีปยุโรปในขณะที่เรากำลังพิจารณาอยู่
ชีวิตทางวัฒนธรรม
คลาสสิกของเวียนนาอาศัยอยู่ในช่วงเวลาที่บาโรกจางหายไปในพื้นหลังและทิศทางใหม่เริ่มมีบทบาทนำ มันพยายามดิ้นรนเพื่อความกลมกลืนของรูปแบบ ความสามัคคีขององค์ประกอบ จึงละทิ้งรูปแบบอันงดงามของยุคก่อน ลัทธิคลาสสิกเริ่มกำหนดลักษณะทางวัฒนธรรมของรัฐในยุโรปหลายแห่ง แต่ในขณะเดียวกัน แม้กระทั่งในขณะนั้นก็มีแนวโน้มที่จะเอาชนะรูปแบบที่เข้มงวดของการเคลื่อนไหวนี้ และสร้างผลงานอันทรงพลังที่มีองค์ประกอบของละครและแม้กระทั่งโศกนาฏกรรม สิ่งเหล่านี้เป็นสัญญาณแรกของการเกิดขึ้นของแนวโรแมนติกซึ่งกำหนดการพัฒนาทางวัฒนธรรมของศตวรรษที่ 19 ทั้งหมด
การปฏิรูปโอเปร่า
คลาสสิกของเวียนนามีบทบาทสำคัญในการพัฒนาแนวดนตรีทั้งหมดในยุคที่อยู่ระหว่างการทบทวน แต่ละคนมีความเชี่ยวชาญในสไตล์หรือรูปแบบดนตรีใดรูปแบบหนึ่ง แต่ความสำเร็จทั้งหมดของพวกเขารวมอยู่ในกองทุนทองคำของดนตรีโลก Gluck (นักแต่งเพลง) เป็นนักเขียนที่ใหญ่ที่สุดและมีชื่อเสียงที่สุดคนหนึ่งในยุคของเขา เป็นการยากที่จะประเมินค่าสูงเกินไปบทบาทของเขาในการพัฒนาโรงละคร: ท้ายที่สุดแล้วเขาเป็นคนที่ทำให้ประเภทโอเปร่าเป็นรูปแบบที่เสร็จสมบูรณ์ซึ่งเรารู้แล้วในตอนนี้ ข้อดีของ Christopher Gluck ก็คือเขาเป็นคนแรกที่ละทิ้งความเข้าใจเกี่ยวกับโอเปร่าในฐานะงานเพื่อสาธิตความสามารถด้านเสียงร้อง แต่กลับด้อยกว่าหลักการทางดนตรีไปสู่การแสดงละคร
ความหมาย
กลัคเป็นนักแต่งเพลงที่ทำให้โอเปร่าเป็นการแสดงที่แท้จริง ในงานของเขา เช่นเดียวกับผลงานของผู้ติดตามของเขา เสียงร้องเริ่มขึ้นอยู่กับคำนั้นเป็นหลัก โครงเรื่องและองค์ประกอบและที่สำคัญที่สุดคือละครเริ่มเป็นตัวกำหนดพัฒนาการของแนวดนตรี ดังนั้นโอเปร่าจึงเลิกเป็นประเภทที่ให้ความบันเทิงเพียงอย่างเดียว แต่กลับกลายเป็นการสร้างสรรค์ทางดนตรีประเภทจริงจังที่มีบทละครที่ซับซ้อน ตัวละครที่น่าสนใจจากมุมมองทางจิตวิทยา และองค์ประกอบที่น่าทึ่ง
ผลงานของนักแต่งเพลง
โรงเรียนคลาสสิกเวียนนาเป็นพื้นฐานของโรงละครดนตรีทั่วโลก เครดิตส่วนใหญ่สำหรับเรื่องนี้ตกเป็นของ Gluck โอเปร่าของเขา "Orpheus and Eurydice" กลายเป็นความก้าวหน้าในประเภทนี้ ในนั้นผู้เขียนไม่ได้มุ่งเน้นไปที่ความสามารถในการแสดง แต่อยู่ที่ละครของตัวละครด้วยเหตุนี้ผลงานจึงได้รับเสียงดังกล่าวและยังคงแสดงอยู่จนถึงทุกวันนี้ โอเปร่าอีกเรื่องหนึ่งคือ Alceste ก็เป็นคำใหม่ในดนตรีโลกเช่นกัน นักแต่งเพลงชาวออสเตรียมุ่งเน้นไปที่การพัฒนาโครงเรื่องอีกครั้งซึ่งทำให้งานได้รับเสียงหวือหวาทางจิตวิทยาที่ทรงพลัง งานยังคงแสดงบนเวทีที่ดีที่สุดในโลกซึ่งชี้ให้เห็นว่าการปฏิรูปประเภทโอเปร่าที่ดำเนินการโดย Gluck มีความสำคัญพื้นฐานสำหรับวิวัฒนาการของละครเพลงโดยรวมและกำหนดการพัฒนาต่อไปของโอเปร่าในทิศทางนี้
ขั้นต่อไปของการพัฒนา
Haydn นักแต่งเพลงชาวออสเตรียยังอยู่ในกาแล็กซี่นักเขียนชื่อดังซึ่งมีส่วนสำคัญในการปฏิรูปแนวดนตรี เขาเป็นที่รู้จักกันดีในฐานะผู้สร้างซิมโฟนีและควอร์เตต ต้องขอบคุณพวกเขาที่ทำให้เกจิได้รับความนิยมอย่างกว้างขวางไม่เพียงแต่ในประเทศยุโรปกลางเท่านั้น แต่ยังอยู่นอกเหนือขอบเขตของพวกเขาด้วย ผลงานที่เป็นที่รู้จักอย่างกว้างขวางที่สุดคือผลงานของเขาซึ่งรวมอยู่ในละครโลกภายใต้ชื่อ "Twelve London Symphonies" พวกเขาโดดเด่นด้วยความรู้สึกมองโลกในแง่ดีและความร่าเริงซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของผลงานเกือบทั้งหมดของนักแต่งเพลงคนนี้
คุณสมบัติของความคิดสร้างสรรค์
คุณลักษณะเฉพาะของผลงานของ Joseph Haydn คือความเชื่อมโยงกับคติชน ในงานของผู้แต่งมักได้ยินเพลงและการเต้นรำซึ่งทำให้ผลงานของเขาเป็นที่รู้จัก สิ่งนี้สะท้อนให้เห็นถึงโลกทัศน์ของผู้เขียนซึ่งส่วนใหญ่เลียนแบบโมสาร์ทโดยถือว่าเขาเป็นนักแต่งเพลงที่ดีที่สุดในโลก จากเขาเขายืมท่วงทำนองที่สนุกสนานและเบา ๆ ซึ่งทำให้ผลงานของเขาแสดงออกถึงอารมณ์และเสียงที่สดใสเป็นพิเศษ
ผลงานอื่นๆ ของผู้เขียน
โอเปร่าของ Haydn ไม่ได้รับความนิยมอย่างกว้างขวางเท่ากับวงสี่และซิมโฟนีของเขา อย่างไรก็ตาม แนวดนตรีนี้ครองตำแหน่งที่โดดเด่นในผลงานของนักแต่งเพลงชาวออสเตรีย ดังนั้นจึงควรกล่าวถึงผลงานประเภทนี้จำนวนหนึ่ง โดยเฉพาะอย่างยิ่งเนื่องจากเป็นเวทีที่เห็นได้ชัดเจนในชีวประวัติที่สร้างสรรค์ของเขา โอเปร่าเรื่องหนึ่งของเขาชื่อ "The Pharmacist" และเขียนขึ้นเพื่อเปิดโรงละครแห่งใหม่ ไฮเดินยังสร้างผลงานประเภทนี้อีกหลายชิ้นสำหรับอาคารโรงละครแห่งใหม่ เขาเขียนในรูปแบบของโอเปร่าชาวอิตาลีเป็นหลัก และบางครั้งก็ผสมผสานองค์ประกอบตลกและละครเข้าด้วยกัน
ผลงานที่มีชื่อเสียงที่สุด
วงสี่ของ Haydn ได้รับการขนานนามอย่างถูกต้องว่าเป็นไข่มุกแห่งดนตรีคลาสสิกระดับโลก พวกเขาผสมผสานหลักการพื้นฐานของผู้แต่ง: ความสง่างามของรูปแบบ ความสามารถในการแสดง เสียงที่มองโลกในแง่ดี ความหลากหลายเฉพาะเรื่อง และวิธีการแสดงที่เป็นต้นฉบับ วัฏจักรที่มีชื่อเสียงแห่งหนึ่งเรียกว่า "รัสเซีย" เพราะอุทิศให้กับ Tsarevich Pavel Petrovich จักรพรรดิพอลที่ 1 แห่งรัสเซียในอนาคต วงควอเต็ตอีกกลุ่มหนึ่งมีไว้สำหรับกษัตริย์ปรัสเซียน การเรียบเรียงเหล่านี้เขียนขึ้นในรูปแบบใหม่ เนื่องจากโดดเด่นด้วยความยืดหยุ่นของเสียงที่ไม่ธรรมดาและเฉดสีดนตรีที่ตัดกันมากมาย ด้วยแนวดนตรีประเภทนี้ที่ชื่อผู้แต่งได้รับความสำคัญไปทั่วโลก ควรสังเกตว่าผู้เขียนมักใช้สิ่งที่เรียกว่า "ความประหลาดใจ" ในการเรียบเรียงของเขาโดยสร้างข้อความทางดนตรีที่ไม่คาดคิดในสถานที่ที่ผู้ชมคาดหวังน้อยที่สุด “Children’s Symphony” ของ Haydn เป็นหนึ่งในผลงานที่ไม่ธรรมดาเหล่านี้
ลักษณะทั่วไปของงานของโมสาร์ท
นี่คือหนึ่งในผู้แต่งดนตรีที่มีชื่อเสียงที่สุด ซึ่งยังคงได้รับความนิยมเป็นพิเศษในหมู่แฟนเพลงคลาสสิกและเป็นที่รักของคนทั่วโลก ความสำเร็จของงานของเขาอธิบายได้จากข้อเท็จจริงที่ว่าพวกเขาโดดเด่นด้วยความสามัคคีและความสมบูรณ์เชิงตรรกะ ในเรื่องนี้นักวิจัยหลายคนเชื่อว่างานของเขาเป็นยุคแห่งความคลาสสิค อย่างไรก็ตาม คนอื่นเชื่อว่านักแต่งเพลงชาวเวียนนากลายเป็นลางสังหรณ์ของแนวโรแมนติก: ท้ายที่สุดในงานของเขามีแนวโน้มที่ชัดเจนในการแสดงภาพที่แข็งแกร่งและไม่ธรรมดาตลอดจนการศึกษาทางจิตวิทยาเชิงลึกของตัวละคร (เรากำลังพูดถึงโอเปร่าในเรื่องนี้ กรณี). อย่างไรก็ตาม ผลงานของเกจิมีความโดดเด่นด้วยความลึกและในขณะเดียวกันก็ง่ายต่อการรับรู้ การแสดงละคร และการมองโลกในแง่ดีเป็นพิเศษ ทุกคนเข้าถึงได้ง่ายและเข้าถึงได้ แต่ในขณะเดียวกันก็จริงจังและมีปรัชญามากในเนื้อหาและเสียง นี่เป็นปรากฏการณ์แห่งความสำเร็จของเขาอย่างชัดเจน
โอเปร่าโดยผู้แต่ง
โรงเรียนคลาสสิกเวียนนามีบทบาทสำคัญในการพัฒนาแนวโอเปร่า เครดิตมหาศาลสำหรับสิ่งนี้เป็นของ Mozart การแสดงดนตรีของเขายังคงได้รับความนิยมอย่างมากและเป็นที่ชื่นชอบไม่เพียงแต่จากผู้รักดนตรีอย่างแท้จริงเท่านั้น แต่ยังรวมถึงสาธารณชนทั่วไปด้วย บางทีนี่อาจเป็นนักแต่งเพลงเพียงคนเดียวที่ทุกคนรู้จักดนตรีไม่ทางใดก็ทางหนึ่งแม้ว่าพวกเขาจะมีความคิดที่คลุมเครือเกี่ยวกับงานของเขาก็ตาม
โอเปร่าที่มีชื่อเสียงที่สุดอาจเป็น The Marriage of Figaro นี่อาจเป็นงานที่ร่าเริงที่สุดและในขณะเดียวกันก็ตลกผิดปกติของผู้แต่ง อารมณ์ขันเป็นที่ได้ยินในเกือบทุกส่วนซึ่งทำให้เขาโด่งดังมาก เพลงที่มีชื่อเสียงของตัวละครหลักได้รับความนิยมอย่างมากในวันรุ่งขึ้น ดนตรีของโมสาร์ท - สดใส ขี้เล่น ขี้เล่น แต่ในขณะเดียวกันก็ฉลาดในเรื่องความเรียบง่ายที่ไม่ธรรมดา - ได้รับความรักและการยอมรับจากสากลในทันที
โอเปร่าที่มีชื่อเสียงอีกเรื่องหนึ่งของผู้เขียนคือ "Don Giovanni" ในแง่ของความนิยมอาจจะไม่ด้อยกว่าที่กล่าวมาข้างต้น: การผลิตการแสดงนี้สามารถเห็นได้ในยุคของเรา เป็นสิ่งสำคัญที่ผู้แต่งนำเสนอเรื่องราวที่ค่อนข้างซับซ้อนของชายคนนี้ในรูปแบบที่เรียบง่ายและในเวลาเดียวกันก็จริงจัง ดังนั้นจึงแสดงให้เห็นถึงความเข้าใจอันลึกซึ้งในชีวิตของเขาอีกครั้ง ด้วยเหตุนี้ อัจฉริยะผู้นี้สามารถแสดงทั้งองค์ประกอบที่น่าทึ่งและแง่ดี ซึ่งเชื่อมโยงถึงกันอย่างแยกไม่ออกในผลงานทั้งหมดของเขา
ปัจจุบันโอเปร่า "The Magic Flute" มีชื่อเสียงไม่น้อย ดนตรีของโมสาร์ทถึงจุดสูงสุดในด้านการแสดงออก ในงานนี้มีความเบาโปร่งสบายร่าเริงและในเวลาเดียวกันก็จริงจังเป็นพิเศษดังนั้นจึงใครๆ ก็สงสัยว่าผู้เขียนสามารถถ่ายทอดระบบปรัชญาทั้งหมดด้วยเสียงที่เรียบง่ายและกลมกลืนได้อย่างไร โอเปร่าอื่น ๆ ของผู้แต่งก็เป็นที่รู้จักเช่นกันเช่นทุกวันนี้เราสามารถได้ยิน La Clemenza di Titus เป็นระยะ ๆ ทั้งในการแสดงละครและคอนเสิร์ต ดังนั้นประเภทโอเปร่าจึงครอบครองสถานที่สำคัญแห่งหนึ่งในผลงานของนักแต่งเพลงที่เก่งกาจ
ผลงานที่คัดสรร
นักแต่งเพลงทำงานในหลากหลายทิศทางและสร้างผลงานทางดนตรีจำนวนมาก โมสาร์ทซึ่งมีเพลง "Night Serenade" อยู่นอกเหนือขอบเขตของการแสดงคอนเสิร์ตมายาวนานและเป็นที่รู้จักอย่างกว้างขวาง เขียนด้วยภาษาที่เรียบง่ายและเข้าถึงได้ บางทีนี่อาจเป็นเหตุผลว่าทำไมเขาถึงถูกเรียกว่าอัจฉริยะแห่งความสามัคคี แม้แต่ในงานโศกนาฏกรรมก็ยังมีความหวัง ใน "Requiem" เขาแสดงความคิดเกี่ยวกับชีวิตในอนาคตที่ดีขึ้น ดังนั้นถึงแม้จะมีโทนเสียงเพลงที่น่าเศร้า แต่งานก็ทิ้งความรู้สึกสงบสุขที่รู้แจ้ง
คอนแชร์โตของโมสาร์ทยังโดดเด่นด้วยความกลมกลืนที่กลมกลืนและความสมบูรณ์เชิงตรรกะ ทุกส่วนอยู่ภายใต้ธีมเดียวและรวมเป็นหนึ่งเดียวกันด้วยแรงจูงใจร่วมกัน ซึ่งเป็นตัวกำหนดโทนของงานทั้งหมด ดังนั้นดนตรีของเขาจึงถูกฟังในหนึ่งลมหายใจ ในประเภทประเภทนี้ หลักการพื้นฐานของงานของผู้แต่งได้รวบรวมไว้: การผสมผสานที่ลงตัวระหว่างเสียงและชิ้นส่วน เสียงที่สดใสและในเวลาเดียวกันของวงออเคสตรา ไม่มีใครสามารถจัดโครงสร้างงานดนตรีของเขาให้กลมกลืนได้เท่ากับโมสาร์ท "Night Serenade" ของผู้แต่งเป็นมาตรฐานสำหรับการผสมผสานท่อนต่างๆ เข้ากับเสียงที่แตกต่างกันอย่างกลมกลืน ข้อความที่ร่าเริงและดังเป็นจังหวะทำให้ส่วนอัจฉริยะแทบไม่ได้ยิน
ควรกล่าวถึงมวลชนของผู้เขียนเป็นพิเศษ พวกเขาครองตำแหน่งที่โดดเด่นในงานของเขา และเช่นเดียวกับผลงานอื่นๆ ตื้นตันไปด้วยความรู้สึกของความหวังที่สดใสและความสุขที่รู้แจ้ง สิ่งที่ควรค่าแก่การกล่าวถึงคือ "Turkish Rondo" ที่มีชื่อเสียงซึ่งอยู่นอกเหนือขอบเขตของการแสดงคอนเสิร์ตดังนั้นจึงสามารถได้ยินได้บ่อยครั้งแม้ในโฆษณาทางโทรทัศน์ แต่บางทีความรู้สึกที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของความกลมกลืนอาจพบได้ในคอนแชร์โตของ Mozart ซึ่งหลักการของความสมบูรณ์เชิงตรรกะถึงระดับสูงสุด
สั้น ๆ เกี่ยวกับงานของ Beethoven
นักแต่งเพลงคนนี้เป็นของยุคแห่งการครอบงำของแนวโรแมนติกโดยสิ้นเชิง หาก Johann Amadeus Mozart ยืนอยู่บนธรณีประตูของความคลาสสิกและทิศทางใหม่ ลุดวิก ฟาน เบโธเฟนก็เปลี่ยนไปใช้การพรรณนาถึงความหลงใหลอันแรงกล้า ความรู้สึกอันทรงพลัง และบุคลิกที่ไม่ธรรมดาในงานของเขาโดยสิ้นเชิง เขาอาจกลายมาเป็นตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดของแนวโรแมนติก เป็นสิ่งสำคัญที่เขาเขียนโอเปร่าเพียงเรื่องเดียวเมื่อหันไปใช้ธีมที่น่าทึ่งและน่าเศร้า แนวเพลงหลักสำหรับเขายังคงเป็นซิมโฟนีและโซนาตา เขาได้รับเครดิตในการปฏิรูปผลงานเหล่านี้ เช่นเดียวกับที่ Gluck ปฏิรูปการแสดงโอเปร่าในสมัยของเขา
คุณลักษณะที่โดดเด่นของผลงานของนักแต่งเพลงคือธีมหลักของผลงานของเขาคือภาพลักษณ์ของเจตจำนงอันทรงพลังและไททานิคของบุคคลที่เอาชนะความยากลำบากและอุปสรรคทั้งหมดด้วยความพยายามอย่างมาก L. V. Beethoven ยังอุทิศพื้นที่มากมายในการประพันธ์ของเขาให้กับหัวข้อการต่อสู้และการเผชิญหน้าตลอดจนแรงจูงใจของความสามัคคีสากล
ข้อเท็จจริงเกี่ยวกับชีวประวัติบางประการ
เขามาจากครอบครัวนักดนตรี พ่อของเขาต้องการให้เด็กชายเป็นนักแต่งเพลงชื่อดัง เขาจึงทำงานร่วมกับเขาโดยใช้วิธีที่ค่อนข้างรุนแรง บางทีนี่อาจเป็นเหตุผลว่าทำไมเด็กถึงเติบโตมาอย่างมืดมนและเข้มงวดตามธรรมชาติซึ่งส่งผลต่อความคิดสร้างสรรค์ของเขาในเวลาต่อมา Beethoven ทำงานและอาศัยอยู่ในเวียนนาซึ่งเขาเรียนกับ Haydn แต่การศึกษาเหล่านี้ทำให้ทั้งนักเรียนและครูผิดหวังอย่างรวดเร็ว ฝ่ายหลังดึงความสนใจไปที่ความจริงที่ว่านักเขียนหนุ่มถูกครอบงำด้วยแรงจูงใจที่ค่อนข้างมืดมนซึ่งไม่ได้รับการยอมรับในเวลานั้น
ชีวประวัติของเบโธเฟนยังเล่าสั้น ๆ เกี่ยวกับช่วงเวลาแห่งความหลงใหลในการต่อสู้เพื่อปลดปล่อย ในตอนแรกเขายอมรับสงครามนโปเลียนด้วยความกระตือรือร้น แต่ต่อมาเมื่อโบนาปาร์ตประกาศตนเป็นจักรพรรดิเขาก็ละทิ้งความคิดในการเขียนซิมโฟนีเพื่อเป็นเกียรติแก่เขา ในปี พ.ศ. 2339 ลุดวิกเริ่มสูญเสียการได้ยิน อย่างไรก็ตาม สิ่งนี้ไม่ได้ขัดขวางกิจกรรมสร้างสรรค์ของเขา เขาหูหนวกสนิทแล้วเขาเขียนซิมโฟนีที่ 9 อันโด่งดังซึ่งกลายเป็นผลงานชิ้นเอกที่แท้จริงในละครเพลงระดับโลก (เป็นไปไม่ได้ที่จะพูดสั้น ๆ เกี่ยวกับเรื่องนี้) นอกจากนี้ยังมีข้อมูลเกี่ยวกับมิตรภาพของเกจิกับคนที่โดดเด่นในสมัยของเขา แม้จะมีนิสัยสงวนและเข้มงวด แต่ผู้แต่งก็เป็นเพื่อนกับ Weber, Goethe และบุคคลอื่น ๆ ในยุคแห่งความคลาสสิก
ผลงานที่มีชื่อเสียงที่สุด
มีการกล่าวไปแล้วข้างต้นว่าลักษณะเฉพาะของงานของ L. V. Beethoven คือความปรารถนาที่จะพรรณนาถึงตัวละครที่แข็งแกร่งและเต็มไปด้วยอารมณ์ การต่อสู้ของความหลงใหล และการเอาชนะความยากลำบาก ในบรรดาผลงานประเภทนี้ "Appassionata" เป็นสิ่งที่น่าสังเกตเป็นพิเศษซึ่งอาจเป็นหนึ่งในผลงานที่ทรงพลังที่สุดในแง่ของความรุนแรงของความรู้สึกและอารมณ์ เมื่อผู้แต่งถูกถามเกี่ยวกับแนวคิดเบื้องหลังการสร้างสรรค์ผลงานชิ้นนี้ เขาพูดถึงบทละครของเช็คสเปียร์เรื่อง "The Tempest" ซึ่งตามที่เขาพูดนั้นทำหน้าที่เป็นแหล่งที่มาของแรงบันดาลใจ ผู้เขียนวาดเส้นขนานระหว่างแรงจูงใจของแรงกระตุ้นไททานิกในงานของนักเขียนบทละครกับการตีความทางดนตรีของเขาในหัวข้อนี้
ผลงานยอดนิยมชิ้นหนึ่งของผู้เขียนคือ "Moonlight Sonata" ซึ่งในทางกลับกันกลับเต็มไปด้วยความรู้สึกกลมกลืนและสันติสุขราวกับตรงกันข้ามกับท่วงทำนองอันน่าทึ่งของซิมโฟนีของเขา เป็นสิ่งสำคัญที่ชื่อจริงของงานนี้มาจากผู้ร่วมสมัยของนักแต่งเพลง อาจเป็นเพราะดนตรีมีลักษณะคล้ายกับแสงระยิบระยับของทะเลในคืนที่เงียบสงบ สิ่งเหล่านี้คือความสัมพันธ์ที่เกิดขึ้นกับผู้ฟังส่วนใหญ่เมื่อฟังโซนาตานี้ ไม่น้อยและอาจได้รับความนิยมมากกว่านั้นคือเพลงประกอบที่มีชื่อเสียง "Für Eliza" ซึ่งผู้แต่งเพลงอุทิศให้กับภรรยาของจักรพรรดิรัสเซีย Alexander I, Elizaveta Alekseevna (Louise) งานนี้โดดเด่นด้วยการผสมผสานที่น่าทึ่งระหว่างแรงจูงใจเบาๆ และข้อความดราม่าที่จริงจังที่อยู่ตรงกลาง สถานที่พิเศษในงานของเกจิถูกครอบครองโดยโอเปร่าเรื่องเดียวของเขา "Fidelio" (แปลว่า "ซื่อสัตย์" จากภาษาอิตาลี) เช่นเดียวกับงานอื่นๆ อีกมากมาย เต็มไปด้วยความน่าสมเพชของความรักในอิสรภาพและการเรียกร้องอิสรภาพ “ Fidelio” ยังคงไม่ออกจากเวทีของผู้นำเสนอแม้ว่าโอเปร่าจะไม่ได้รับการยอมรับในทันที แต่ก็เกือบทุกครั้ง
ซิมโฟนีที่เก้า
งานนี้อาจมีชื่อเสียงที่สุดในบรรดาผลงานอื่นๆ ของผู้แต่ง เขียนไว้เมื่อสามปีก่อนที่เขาจะเสียชีวิตในปี พ.ศ. 2367 The Ninth Symphony เป็นบทสรุปภารกิจอันยาวนานและหลายปีของผู้แต่งเพื่อสร้างผลงานซิมโฟนิกที่สมบูรณ์แบบ มันแตกต่างจากครั้งก่อน ๆ ตรงที่ประการแรกแนะนำส่วนการร้องประสานเสียง (สำหรับ "Ode to Joy" ที่มีชื่อเสียงของ F. Schiller) และประการที่สองในนั้นผู้แต่งได้ปฏิรูปโครงสร้างของประเภทซิมโฟนิก เนื้อเรื่องหลักจะค่อยๆ เผยผ่านแต่ละส่วนของงาน จุดเริ่มต้นของซิมโฟนีค่อนข้างมืดมนและหนักหน่วง แต่ถึงกระนั้นก็มีแรงจูงใจที่ห่างไกลของการปรองดองและการตรัสรู้ซึ่งเติบโตขึ้นเมื่อการแต่งเพลงพัฒนาขึ้น ในที่สุด ในตอนท้ายสุด เสียงร้องประสานเสียงที่ทรงพลังก็ดังขึ้น เรียกร้องให้ผู้คนทั่วโลกรวมตัวกัน ดังนั้นผู้แต่งจึงเน้นย้ำแนวคิดหลักของงานของเขาเพิ่มเติม เขาต้องการให้ความคิดของเขาแสดงออกมาอย่างชัดเจนที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ ดังนั้นเขาจึงไม่ได้จำกัดตัวเองอยู่แค่ดนตรีเท่านั้น แต่ยังแนะนำการแสดงของนักร้องด้วย ซิมโฟนีประสบความสำเร็จอย่างล้นหลาม: ในการแสดงครั้งแรก ผู้ชมปรบมือให้ผู้แต่งยืนปรบมือ เป็นสิ่งสำคัญที่ L.V. Beethoven แต่งเพลงนี้ขึ้นมาเมื่อเขาเป็นคนหูหนวกสนิทอยู่แล้ว
ความสำคัญของโรงเรียนเวียนนา
Gluck, Haydn, Mozart, Beethoven กลายเป็นผู้ก่อตั้งดนตรีคลาสสิกโดยมีอิทธิพลอย่างมากต่อประวัติศาสตร์ดนตรีที่ตามมาทั้งหมดไม่เพียง แต่ในยุโรปเท่านั้น แต่ยังรวมถึงโลกด้วย ความสำคัญของนักประพันธ์เพลงเหล่านี้และการมีส่วนร่วมของพวกเขาในการปฏิรูปละครเพลงนั้นแทบจะประเมินค่าสูงไปไม่ได้ การทำงานในหลากหลายประเภท พวกเขาสร้างแกนหลักและรูปแบบของงานโดยอาศัยพื้นฐานของการที่ผู้ติดตามของพวกเขาแต่งผลงานใหม่ ผลงานสร้างสรรค์หลายอย่างของพวกเขาอยู่นอกเหนือขอบเขตของการแสดงคอนเสิร์ตมานานแล้ว และได้รับการรับฟังอย่างกว้างขวางในภาพยนตร์และทางโทรทัศน์ "Turkish Rondo", "Moonlight Sonata" และผลงานอื่น ๆ ของนักเขียนเหล่านี้ไม่เพียงเป็นที่รู้จักของคนรักดนตรีเท่านั้น แต่ยังรวมถึงผู้ที่ไม่คุ้นเคยกับดนตรีคลาสสิกด้วย นักวิจัยหลายคนเรียกเวทีเวียนนาแห่งการพัฒนาคลาสสิกว่าเป็นสิ่งที่กำหนดประวัติศาสตร์ดนตรีอย่างถูกต้องเนื่องจากในช่วงเวลานี้เองที่มีการวางหลักการพื้นฐานสำหรับการสร้างและเขียนโอเปร่า ซิมโฟนี โซนาตาและควอเตต
3. อัจฉริยะทางดนตรี - V.A. โมสาร์ท
งานของโมสาร์ทครอบครองสถานที่พิเศษในโรงเรียนคลาสสิกเวียนนา ในผลงานของเขา ความเข้มงวดแบบคลาสสิกและความชัดเจนของรูปแบบถูกรวมเข้ากับอารมณ์ความรู้สึกที่ลึกซึ้ง ดนตรีของผู้แต่งมีความใกล้เคียงกับกระแสในวัฒนธรรมในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 ที่พูดถึงความรู้สึกของมนุษย์ ("Storm and Drang" บางส่วนมีอารมณ์อ่อนไหว) โมสาร์ทเป็นคนแรกที่แสดงให้เห็นถึงธรรมชาติที่ขัดแย้งกันของโลกภายในของแต่ละบุคคล
Wolfgang Amadeus Mozart เกิดที่เมืองซาลซ์บูร์ก ประเทศออสเตรีย ด้วยหูที่ยอดเยี่ยมในด้านดนตรีและความทรงจำ เขาเรียนรู้ที่จะเล่นฮาร์ปซิคอร์ดตั้งแต่ยังเด็ก และเมื่ออายุได้ 5 ขวบเขาก็เขียนผลงานชิ้นแรก ครูคนแรกของนักแต่งเพลงในอนาคตคือพ่อของเขาลีโอโปลด์โมสาร์ทนักดนตรีในโบสถ์ของอาร์คบิชอปแห่งซาลซ์บูร์ก โมสาร์ทเชี่ยวชาญไม่เพียงแต่ฮาร์ปซิคอร์ดเท่านั้น แต่ยังรวมถึงออร์แกนและไวโอลินด้วย มีชื่อเสียงในฐานะนักแสดงด้นสดที่ยอดเยี่ยม ตั้งแต่อายุหกขวบเขาไปเที่ยวประเทศในยุโรป เมื่ออายุสิบเอ็ดปีเขาได้สร้างโอเปร่าเรื่องแรก Apollo และ Hyacinth และเมื่ออายุได้สิบสี่ปีเขาก็ได้เปิดการแสดงรอบปฐมทัศน์ของโอเปร่า Mithridates ราชาแห่งปอนทัสที่โรงละครมิลานแล้ว ในช่วงเวลานี้เขาได้รับเลือกให้เป็นสมาชิกของ Philharmonic Academy ในเมืองโบโลญญา
เช่นเดียวกับนักดนตรีหลายคนในยุคนั้น โมสาร์ทรับราชการในศาล (พ.ศ. 2312-2324) - เขาเป็นนักดนตรีและนักออแกนของอาร์คบิชอปแห่งซาลซ์บูร์ก อย่างไรก็ตาม บุคลิกที่เป็นอิสระของอาจารย์ทำให้อาร์คบิชอปไม่พอใจอย่างมาก และโมสาร์ทก็เลือกที่จะออกจากราชการ ในบรรดานักประพันธ์เพลงที่โดดเด่นในอดีตเขาเป็นคนแรกที่เลือกชีวิตของศิลปินอิสระ ในปี ค.ศ. 1781 โมสาร์ทย้ายไปเวียนนาและสร้างครอบครัว เขาได้รับเงินจากการเรียบเรียง บทเรียนเปียโน และการแสดงของเขาเองในฉบับหายาก (อย่างหลังทำหน้าที่เป็นแรงจูงใจในการสร้างคอนเสิร์ตสำหรับเปียโนและวงออเคสตรา)
โมสาร์ทให้ความสนใจเป็นพิเศษกับโอเปร่า ผลงานของเขาเป็นตัวแทนของยุคทั้งหมดในการพัฒนาศิลปะดนตรีประเภทนี้ นักแต่งเพลงสนใจโอเปร่าโดยมีโอกาสแสดงความสัมพันธ์ระหว่างผู้คน ความรู้สึก และแรงบันดาลใจของพวกเขา
โมสาร์ทไม่ได้มุ่งมั่นที่จะสร้างรูปแบบโอเปร่าใหม่ - ดนตรีของเขาเองก็เป็นนวัตกรรมใหม่ ในผลงานที่เป็นผู้ใหญ่ของเขาผู้แต่งละทิ้งความแตกต่างที่เข้มงวดระหว่างโอเปร่าที่จริงจังและการ์ตูน - การแสดงดนตรีและละครปรากฏขึ้นซึ่งมีองค์ประกอบเหล่านี้เกี่ยวพันกัน ด้วยเหตุนี้โอเปร่าของโมสาร์ทจึงไม่มีฮีโร่ทั้งเชิงบวกและเชิงลบอย่างชัดเจน ตัวละครมีชีวิตชีวาและหลากหลายแง่มุม ไม่ถูกผูกมัดด้วยบทบาท
โมสาร์ทมักหันไปหาแหล่งวรรณกรรม ดังนั้นโอเปร่าเรื่อง "The Marriage of Figaro" (1786) จึงเขียนขึ้นจากบทละครของนักเขียนบทละครชาวฝรั่งเศส P.O. "Crazy Day หรือ The Marriage of Figaro" ของ Beaumarchais ซึ่งถูกเซ็นเซอร์ห้าม ธีมหลักของโอเปร่าคือความรัก ซึ่งสามารถพูดได้เกี่ยวกับผลงานทั้งหมดของโมสาร์ท อย่างไรก็ตาม งานนี้มีเนื้อหาย่อยทางสังคมด้วย: Figaro และ Suzanne อันเป็นที่รักของเขาเป็นคนฉลาดและกระตือรือร้น แต่พวกเขามีต้นกำเนิดที่ต่ำต้อยและเป็นเพียงคนรับใช้ในบ้านของ Count Almaviva การต่อต้านเจ้านาย (ขุนนางที่โง่เขลาและหลงกล) กระตุ้นให้เกิดความเห็นอกเห็นใจของผู้เขียน - เห็นได้ชัดว่าเขาอยู่เคียงข้างคู่รัก
ในโอเปร่าเรื่อง Don Juan (พ.ศ. 2330) โครงเรื่องยุคกลางเกี่ยวกับผู้พิชิตใจผู้หญิงได้รับรูปแบบทางดนตรี ฮีโร่ที่กระตือรือร้น เจ้าอารมณ์ เอาแต่ใจตัวเอง และปราศจากมาตรฐานทางศีลธรรมทั้งหมด ฮีโร่ถูกต่อต้านในตัวผู้บัญชาการด้วยอำนาจที่สูงกว่า แสดงให้เห็นถึงคำสั่งที่สมเหตุสมผล การวางนัยทั่วไปทางปรัชญาอยู่ร่วมกันที่นี่กับเรื่องรัก ๆ ใคร่ ๆ ประเภทและองค์ประกอบในชีวิตประจำวัน โศกนาฏกรรมและการ์ตูนก่อให้เกิดความสามัคคีที่แยกไม่ออก ผู้เขียนเองเน้นย้ำคุณลักษณะนี้ของโอเปร่า โดยตั้งชื่อคำบรรยายว่า "ละครร่าเริง" ดูเหมือนว่าในชัยชนะครั้งสุดท้ายของความยุติธรรม - รอง (ดอนฮวน) ถูกลงโทษ แต่ดนตรีของโอเปร่านั้นละเอียดกว่าและซับซ้อนกว่าความเข้าใจที่เรียบง่ายของงาน: มันกระตุ้นความเห็นอกเห็นใจของผู้ฟังต่อฮีโร่ซึ่งยังคงซื่อสัตย์ต่อตัวเองแม้ต้องเผชิญกับความตาย
เทพนิยายเชิงปรัชญา - คำอุปมาเรื่อง "The Magic Flute" (1791) เขียนในรูปแบบ Singspiel แนวคิดหลักของงานคือการหลีกเลี่ยงไม่ได้ของชัยชนะแห่งความดีเหนือความชั่วการเรียกร้องให้มีความอดทนความรักเพื่อความเข้าใจในความหมายสูงสุด ฮีโร่ของโอเปร่าต้องเผชิญกับการทดลองที่ร้ายแรง (ความเงียบ ไฟ น้ำ) แต่พวกเขาเอาชนะพวกเขาอย่างมีศักดิ์ศรีและบรรลุอาณาจักรแห่งความงามและความสามัคคี
โมสาร์ทถือว่าดนตรีเป็นสิ่งสำคัญ แม้ว่าเขาจะต้องการเนื้อหาในบทเพลงมากก็ตาม ในโอเปร่าของเขาบทบาทของวงออเคสตราเพิ่มขึ้นอย่างมาก ในส่วนออเคสตราที่ทัศนคติของผู้เขียนที่มีต่อตัวละครมักถูกเปิดเผย: แรงจูงใจที่เยาะเย้ยจะกระพริบหรือทำนองบทกวีที่สวยงามจะปรากฏขึ้น สำหรับผู้ฟังที่ตั้งใจฟัง รายละเอียดเหล่านี้มีความหมายมากกว่าข้อความ ลักษณะภาพเหมือนหลักยังคงเป็นอาเรีย และความสัมพันธ์ระหว่างตัวละครจะบอกเป็นชุดเสียงร้อง ผู้แต่งสามารถถ่ายทอดลักษณะนิสัยของตัวละครแต่ละตัวในวงดนตรีได้
เป็นตัวแทนของโรงเรียนคลาสสิกเวียนนา โมสาร์ทให้ความสำคัญอย่างยิ่งกับแนวซิมโฟนี ซิมโฟนีสามเพลงสุดท้ายได้รับความนิยมเป็นพิเศษ - สามสิบเก้า, สี่สิบและสี่สิบเอ็ด (จูปิเตอร์) สร้างขึ้นในปี พ.ศ. 2331 ในงานประเภทนี้ในที่สุดได้มีการกำหนดวัฏจักรสี่ส่วนและกฎของรูปแบบโซนาต้า ซิมโฟนีของโมสาร์ทประกอบด้วยความแตกต่างทางอารมณ์อันละเอียดอ่อนมากมาย แก่นเรื่องมักจะมีลักษณะไม่เท่ากัน มีจังหวะซับซ้อน และบางครั้งก็ประสานเสียงที่เฉียบคม แต่ดนตรียังคงรูปแบบที่คมชัดและชัดเจน
โมสาร์ทยังกลายเป็นหนึ่งในผู้สร้างประเภทคอนเสิร์ตคลาสสิกอีกด้วย พื้นฐานของคอนเสิร์ตคือการแข่งขันระหว่างศิลปินเดี่ยวและวงออเคสตรา และกระบวนการนี้อยู่ภายใต้ตรรกะที่เข้มงวดเสมอ นักแต่งเพลงเป็นเจ้าของคอนแชร์โต 27 ตัวสำหรับเปียโนและวงออเคสตรา และ 7 อันสำหรับไวโอลินและวงออเคสตรา ในงานบางชิ้นผู้ฟังประทับใจกับทักษะอันชาญฉลาดและการเฉลิมฉลอง ส่วนงานอื่นๆ จะประทับใจกับความแตกต่างทางอารมณ์และละคร
ผลงานเปียโนของโมสาร์ทประกอบด้วยโซนาตาจำนวน 19 ชิ้น ซึ่งเขายังคงพัฒนารูปแบบโซนาตาต่อไป ตลอดจนผลงานประเภทแฟนตาซี (ผลงานดนตรีที่มีพื้นฐานมาจากการแสดงด้นสดและในรูปแบบอิสระ) ผู้แต่งละทิ้งฮาร์ปซิคอร์ดและคลาวิคอร์ดซึ่งมีเสียงนุ่มนวลกว่าแต่เบากว่าเมื่อเทียบกับเปียโน สไตล์เปียโนของโมสาร์ทมีความโดดเด่น สง่างาม พร้อมด้วยการลงท้ายทำนองและดนตรีประกอบอย่างระมัดระวัง
ความสนใจของอาจารย์ไม่ได้จำกัดอยู่แค่โอเปร่าและดนตรีบรรเลงเท่านั้น เขายังสร้างผลงานทางจิตวิญญาณ: มวลชน, แคนทาทาส, oratorios, บังสุกุล. ดนตรีแห่งบังสุกุล (พ.ศ. 2334) ซึ่งมีไว้สำหรับศิลปินเดี่ยว นักร้องประสานเสียง และวงออเคสตรา เป็นเรื่องที่น่าเศร้าอย่างยิ่ง (โมสาร์ททำงานเกี่ยวกับการแต่งเพลงเมื่อเขาป่วยอยู่แล้วก่อนที่เขาจะเสียชีวิต) ส่วนขององค์ประกอบที่ชวนให้นึกถึงเพลงโอเปร่าและวงดนตรีทำให้ดนตรีมีอารมณ์มากและส่วนโพลีโฟนิก (ก่อนอื่นเลย "ท่านเจ้าข้าขอความเมตตา!") เป็นตัวเป็นตนของหลักการทางจิตวิญญาณความยุติธรรมสูงสุด ภาพหลักของบังสุกุลคือบุคคลที่ต้องทนทุกข์เมื่อเผชิญกับความยุติธรรมอันศักดิ์สิทธิ์อันรุนแรง
ปรมาจารย์ไม่เคยมีเวลาทำบังสุกุลให้เสร็จ F.K. นักเรียนของเขาได้สรุปตามภาพร่างของผู้แต่ง ซูสไมร์.
โมสาร์ทแต่งเพลงได้ง่ายมาก บางครั้งถึงแม้จะไม่มีฉบับร่างก็ตาม ทำให้เกิดการสร้างสรรค์ที่ไม่มีใครเทียบได้ในด้านความงดงามและความกลมกลืนทางศิลปะ นักดนตรีร่วมสมัยให้ความสำคัญกับพรสวรรค์ของโมสาร์ทเป็นอย่างมาก แต่ประชาชนชนชั้นสูงส่วนใหญ่ไม่เข้าใจงานของเขา และในช่วงปีสุดท้ายของชีวิตเขาไม่ยอมรับผู้แต่งเลย โมสาร์ทเสียชีวิตด้วยความยากจนและถูกฝังไว้ในหลุมศพทั่วไปในกรุงเวียนนา
วัฒนธรรมวิเดนสค์
ด้วยการปรากฏตัวของผลงานของ Wolfgang Amadeus Mozart การนำเสนอ "Vienna Classics" จะสิ้นสุดลง ความทุกข์ยากของผลงาน 600 ชิ้นที่โมสาร์ทถูกบังคับให้สร้างในช่วง 35 ปีแห่งชีวิตของเขาจะยังคงครอบคลุมถึงบุคคลที่สำคัญที่สุดในประวัติศาสตร์วัฒนธรรม...
มาริส ลีปา อัจฉริยะ
หลังจากสำเร็จการศึกษาจาก MAHA Maris Liepa กลับไปที่ริกาเพื่อทำงานที่ State Opera and Ballet Theatre ของ Latvian SSR ที่นั่นเขาได้เต้นรำเดี่ยวหลายท่อน รวมถึงเพลง pa d'esclave จาก Le Corsaire และเพลง grand pas จาก Raymonda...
ศิลปะแห่งการตีระฆัง
กระดิ่งและกระดิ่งเป็นเครื่องดนตรีประเภทเพอร์คัชชันที่ทำให้เกิดเสียงได้เองที่เก่าแก่ที่สุดและยังคงใช้กันอย่างแพร่หลาย หน้าที่หลักคือการส่งสัญญาณ เรามาตกลงกันทันทีว่านี่เป็นเครื่องดนตรีสองชนิดที่แตกต่างกัน และเกณฑ์สำหรับความแตกต่างไม่ใช่ขนาด...
เทศกาลดนตรีในพื้นที่วัฒนธรรมของเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก: เทคโนโลยีการจัดองค์กรและการถือครอง
เทศกาล (เทศกาลฝรั่งเศส - การเฉลิมฉลอง จากภาษาละติน festivus - ร่าเริง รื่นเริง) การเฉลิมฉลองมวลชน รวมถึงการแสดงความสำเร็จในด้านดนตรี ละคร ภาพยนตร์ และป๊อป เทศกาลนี้มีต้นกำเนิดในบริเตนใหญ่ในช่วงต้นศตวรรษที่ 18 ในศตวรรษที่ 20...
คุณสมบัติของการพัฒนาธุรกิจเพลงในบริบทของเทคโนโลยีอินเทอร์เน็ต
ธุรกิจเพลงถือเป็นองค์ประกอบสำคัญในระบบธุรกิจการแสดงซึ่งมีพื้นฐานมาจากการทำกำไรในการผลิตและจำหน่ายผลิตภัณฑ์ดนตรีหรือการให้บริการในอุตสาหกรรมบันเทิง...
Pina Bausch - อัจฉริยะแห่งท่าทาง
เมื่อวันที่ 9 พฤษภาคม นักเต้น นักออกแบบท่าเต้น และผู้กำกับชาวเยอรมันชื่อดัง Pina Bausch ได้รับรางวัล Europe Theatre Prize ซึ่งเป็นหนึ่งในรางวัลอันทรงเกียรติที่สุดในโลกในสาขาศิลปะการแสดง...
การเพิ่มขึ้นของศิลปะบาโรก
Peter Paul Rubens เกิดเมื่อวันที่ 28 มิถุนายน ค.ศ. 1577 ในวันฉลองนักบุญเปโตรและพอลซึ่งเขาได้รับการตั้งชื่อเพื่อเป็นเกียรติแก่ ศิลปินในอนาคตเกิดที่เมืองซีเกน ในจังหวัดเวสต์ฟาเลียของเยอรมนี และเป็นลูกคนที่หกจากเจ็ดคนในครอบครัว...
สถานการณ์วันหยุดยาว “เรามีเรื่องน่าภาคภูมิใจ!”
ดนตรีในการแสดงละครมีบทบาทหลักในการสร้างแนวคิดทางอุดมการณ์และใจความ ตลอดจนเนื้อหาทางศิลปะและอารมณ์...
โรงละครแห่งออมสค์
เป็นเวลาหลายปีที่ Musical Theatre ได้รับการขนานนามอย่างถูกต้องว่าเป็น "ห้องทดลองของละครโซเวียต" ปัจจุบัน โรงละครมีการนำเสนอหลากหลายประเภท การแสดงที่หลากหลาย ทั้งโอเปร่า โอเปร่า บัลเล่ต์ และละครเพลง...
ความหมายเชิงสุนทรีย์ของงานสำเร็จรูปโดย M. Duchamp
มีความคิดเห็นและข้อโต้แย้งที่แตกต่างกันมากมายเกี่ยวกับงานสำเร็จรูปของ M. Duchamp บางคนจะบอกว่าเขาเป็นอัจฉริยะ บางคนจะบอกว่าเขาเป็นคนงี่เง่าที่ไม่มีอะไรทำดีไปกว่าการพลิกโถปัสสาวะ...